一、中西美术特点比较
从世界历史上看，人类早在原始社会时期就逐渐培养起了造型技能，逐渐萌发出了审美观念，也就此开始了人类对美的追求和创造。由于世界各地民族的地域差异、经济生活差异和文化观念差异就形成了不同的艺术风格，也就形成了瑰丽多姿的世界艺术。现就具有代表性的中国美术和西方美术谈一谈我对它们的感受。
绘画是美术的重要表现手法之一，它是一门运用色彩、线条和形体，在二度空间的范围内反映现实美，表达人的审美感受的艺术。
中国传统绘画源远流长，它扎根于中华民族深厚的文化土壤里，在长期的历史发展中，形成了融汇着整个中华民族独特的文化素养、审美意识、思维方法、美学思想和哲学观念等的完整艺术体系。
一、以写意为特点的中国艺术观。中国绘画的艺术创造是一个主观和客观统一的过程，既承认艺术创造来源于客观世界，有十分重视个人主观作用。东晋顾恺之“迁想妙得”的主张，唐代确立的“外师造化，中心得源”的创造原则，“气韵生动”的审美标准和“以形写神”等艺术理论使中国画到唐宋就得到了很大的发展，现实精神与浪漫精神写实方法和浪漫方法得到了相当完美的结合。
首先，“以形写神，形神兼备”的原则是中国画写意的核心。写意不是简单的描绘含混不清的图象和意念，而是一种意识、一种精神的升华，是借笔墨立象。“形似”并不一定“神似”为了更好地传神，形的表现可以灵活，可以超越具体物象的模拟、再现，强调主观的创造作用，写意是为了在作画中写性、写心、寄情。
然后，中国画巧妙运用比、喻、兴、借等手法，表现自然与人类感情的推移，使人与社会和自然成为不可分割的整体。中国画并不特别重视形象的视觉真实，也不执着于事物的自然属性，如比例、透视、结构、光影、色彩等，画兰竹之高洁，梅菊之耐寒，目的是借物喻人。
再次，中国画的构图摆脱时空的限制，强调宏观的把握世界，以追求艺术表现和概括的自由。
最后，中国画提倡诗情画意，诗词入画。画面运用含蓄，以虚代实，以少胜多，计白当黑等绘画语言来表现画境，从而诱发观者的丰富想象。诗中有画，画中有诗，把中国画的意境创造提高。
二、以线为主的中国笔墨。任何种类的绘画都有自己特定的表现方法和特殊的物质材料，中国画物质材料是毛笔、水墨和宣纸（文房四宝），因此中国画的表现手法是以线为主的笔墨，这是其特有的艺术特点。唐代张彦远说：“夫象物必在于形似，形似必全其骨，骨气形似皆本于立意，而归乎用笔。”所以中国画的意境、形象、情感的表现都是要“归乎用笔”的，有无笔墨便成为评价中国画优劣的一个重要标志，南齐谢赫就在“六法论”中将“骨法用笔”定为中国画的造型方法。
三、中国传统绘画的内容较为丰富。有山水、花鸟、鱼虫、人物、宗教画、风俗画等，绘画的内容呈现多样性，这是由中国画的功能来决定的，有很大一部分中国画是文人画，它们是文人以画言志，表达思想、抒发情感的一种表现手段，因此不具有实用功能，没有题材的限制。
西方绘画同样具有悠久的历史，在长时期的发展中以油画为主呈现出了与中国绘画截然不同的绘画风格和特点，这与其民族历史、文化观念等有着密不可分的关系。
一、西方绘画以写实为特点。这与西方的哲学有着很深的联系，亚里士多德认为：“美的主要形式‘次序、匀称与安排’”，认为“一个美的事物……不但它的各部分应有一定的安排，而且它的体积应有一定的大小；因为美要依靠体积与安排“。这种观点认为美必须具有特定的感性形式，并努力在客观事物中发现它们。康德指出：”美本身只涉及形式“。古希腊时认为“文艺是一种摹仿。”这些观点都认为美都应展现客观事物的本身外在美，也就是认为美的本质就在感性事物本身。因此形成了西方绘画以写实为主的绘画风格，而忽略了人的主观意识，没有很好的把画家的思想容入画面当中去。
首先，西方绘画重视绘画形象的视觉真实，无论是古希腊绘画中的黑绘、红绘瓶画，还是欧洲文艺复兴时期的绘画，以及十七、十八世纪欧洲的绘画都表现出了对绘画形象真实的再现，画面中的人物也好，背景也好都画的非常逼真，画家运用绘画手段和技巧尽量将画面表现的与客观形象一致，以达到一种真实的摹仿。
然后，西方绘画重视事物的自然属性，也就是重视绘画的科学，强调认识起源于感觉。运用精心观察，研究人体解剖、透视、明暗、构图等科学法则来表现绘画，使艺术建立在对客观事物的观察上。
二、油彩中的西方绘画。油画是西方绘画的主要画种，它是用挥发性油质颜料在木板、画布、厚纸或墙壁上作画的一种绘画形式。油画颜料有较强的遮盖力，颜料之间的重叠与铺摆可以造成丰富多变的视觉效果，因此可以反复绘画来表现艺术形象的真实性。另外，油画颜料干后坚固耐久，不易霉变，便于长期存放，使得绘画作品能长期流传，而中国画较之则不易保存。
三、以宗教画和肖像画为主的西方绘画。自欧洲中世纪以来，基督教的影响占统治地位，决定了当时的生活方式和意识形态，艺术也不可避免的具有浓厚的宗教色彩，充当了教会代言人的角色。绘画就成为了统治阶宣传基督教的工具，无论是在教堂的墙壁、天花板上，还是流传下来的名家作品中都可以看到耶稣、圣母的形象。在早期的欧洲画家只不过是充当画师的角色，他们不能左右自己绘画作品的艺术创作，只能靠给教会画宗教画和给贵族、富人画肖像画来维持自身的生计，绘画内容较为狭窄。
中西美术由于多种原因产生了较大的差异，这表现在很多方面，其中绘画最为突出。但处于世界交轨的现代，我们应找寻中西美术中可以相融的部分来创造崭新的美术新天地
二、中国画“中西结合”的误区
谈到结合，笔者认为首先要看到在以往中西结合中的混乱或误区：
中国画艺术理论源于中国传统的哲学思想，因此中国画的发展其本身就具有完整的艺术理论体系。然而，由于近百年来中国画家们并未对其做过更为深入的研究，反而提出了毫无理论基础的所谓中国画“中西结合”的理念，岂不知中西本属两个截然不同的艺术体系，如果将其进行生硬地结合，最终的结果势必导致今天出现的不伦不类、或形式上的结合，这种结合不但不能达到发展中国画的目的，而且在很大程度上造成了中国画家艺术思维的混乱。
早期希腊哲学家认为宇宙万物本原是“数”，“数”统治着一切。西方人对“数”的绝对认识造就了西方人的审美观，因此他们对比例十分重视，认为美在于“各部分之间的对称”和“适当的比例”，艺术作品的成功“要靠许多数的关系”。西方人对人体美的崇拜与“黄金分割律”的产生，完全可以体现出他们对“数”与比例绝对认识的哲学观念与美学思想。这种哲学思想为以后西方出现的实证科学奠定了理论基础，同时也造就了西方画家对具象与抽象的绝对认识观。
中国传统哲学认为宇宙是在“一阴一阳”对立与统一的变化中发展，其观念强调的是精神与物质的一体性，“天地人和一”“物我同根”等与西方不同的宇宙观，这就筑成了中国画家认识自然万物的观念不是绝对的，而是相对的，由此而产生了中国画的“意象”艺术思维。研究了中国画发展本源的道家思想得出结论：中国画艺术思维不仅只存在着“意象”，在其整体艺术思维中共存着三种艺术思维形式，这三种艺术思维完全可以产生出三种不同的具有中国哲学理念的艺术表现形式。
中西方存在的两种不同的哲学理念与艺术思维，造就了中西截然不同的绘画方法与艺术风格，这个现实完全符合中西方在不同的文化背景之下形成的艺术规律。中国画的“中西结合”不但破坏了这种艺术规律，而且造成了当今许多画家、理论家们将西方哲学理念产生的绝对的具象与抽象意识，和以中国传统哲学理念产生的“意象”思维混为一谈，并提出中国画存在着具象、抽象与意象的谬论。理论地讲，中西方认识事物的方法均存在着对主观与客观的认识，所不同的是：西方哲学对主观与客观的认识是绝对的，即主观就是主观，客观就是客观。因此在西方画家的艺术思维中，产生了以“数”为基础的焦点透视法，及以光影为基础的具象和绝对意识的抽象理念。中国传统哲学对主观与客观的认识是相对的，即主观中有客观，客观中有主观。因此中国古代画家对事物的认识不是绝对的概念，由此而产生了中国画的散点透视法。然而即使这种方法，以中国传统哲学来认识也不是绝对的，它同时还存在着对焦点透视的认识。中国画的“意象”思维也是在这种哲学理念中产生出的一种艺术思维方法。
从以上对中国画“中西结合”问题的简要论述中，完全可以看到其中存在的弊病与问题。客观地讲“中西结合”并不是不可以尝试，只是在对待这种结合的同时首先应该认识到，所谓的结合不是旨在形式上的结合，重要的是如何在理论上达到统一，使其结合得有理有据。然而值得一提的是，中国画“中西结合”只是一种方法，不是方向，这种方法解决不了中国画将如何发展的根本问题。
三、中西美术结合的道路
在中西结合方面，在近代，我认为做得比较好的是林风眠。他的结合，不是技法的结合，不是拿毛笔来画西方的写实——这样的结合是很肤浅、低层次的，他的结合观点是审美观的结合，是西方审美观同中国的审美观的结合，这就扩大了我们的审美观。当然我们古代 审美观也有了，以樱桃小嘴为美，现在可能认为大嘴更美呢。所以我们的审美观逐渐要扩大。那么西方的传统，从希腊罗马、文艺复兴一直发展到现代艺术。
现代艺术无非是受两个因素的影响，一个是非洲的因素，一个是亚洲的因素。亚洲的中国还比较远，都是日本、波斯的，再是非洲的雕刻，这些进去以后，杂交混种，才产生西方的现代艺术。西方的现代艺术是杂交的品种，不是完全的西方产物。那么结合以后，就会发生各种问题。如材料问题，手法问题等。现代材料，包括各种新材料，如机器的，电脑的，越来越复杂，这些当然对艺术起促进作用；手法也越来越丰富，这是好的一个方面。但是艺术同科技不完全一样，因为艺术主要表达的是感情，复杂的工具固然有效，但是简单的东西同样不能替代。因为简单与复杂的问题在艺术上，是辩证的。复杂有它的优点，简单也有它的优点，不能替代的。现在陶器制作技术很发达，但是手工制作的粗陶，那种美感、手感是不能替代的。而且，将来机器越来越替代了人工以后，在艺术上，人手、人脑、人的感情的东西，价值恐怕越来越重要，越来越高。
就以现代京剧来说，背景太多就会影响表演主体。那么现在的背景，后面又是山又是树，周信芳都看不见了，所以这个问题应该重视。绘画造型艺术，是靠视觉美，视觉美就离不开形式美，是从形式来搞的。现在思想是比较解放了，现在形式美变得很普遍了，因此就变成一种游戏，出现了很多玩世不恭的形式，变得很泛滥了。这又变成了另外一种倾向。艺术到底是感情的传达，如果天下只有一只黄莺，它是不唱歌的，必须有异性的黄莺，它才会唱歌。艺术，也必须要找对象，它是一种传递感情的通道。玩弄形式，没有内涵的话，是走不通的，顶多轰动一下，很快就会被淘汰了。因此绘画的手段，应该一切为了表现感情。
还有个比较重要的问题，就是有人认为“笔墨等于零”。因为中国画用笔墨，西方是用油、颜料、布。笔墨是一种材料，是一种工具，是一个奴才，是为我所用的。古代的绘画基本上是制图，带有功利性、目的性，是一幅图，所以过去作品的名称一般都叫图，比方《簪花仕女图》、《五牛图》、《韩熙载夜宴图》、《捣练图》、《清明上河图》，这些名作都是图，都带有目的性。如《韩熙载夜宴图》是李煜要看韩熙载生活怎么样，让人画出这个图来，代替照相。但是这些艺术家，画图时全身心投入进去，因而就逐步进入到艺术了，也就是从制图进入到美术。创作艺术时造型等等都体现在笔墨上了，因此用笔用墨往往是一个很明显的标准。同一般的工匠不一样，工匠画的东西没有笔墨。笔墨开始被重视了，逐步发展以后，到了近现代，笔墨成了一个标准了。一张画笔墨的好坏就决定了整张画的质量。舍本求末——本来笔墨是要服从绘画本身的，现在反而以笔墨作为评判标准了。实际上是不懂绘画的人才会这样的。说笔墨好坏其实是很抽象的，怎么能拿来作为一个标准呢? 所以就有很多奇怪的说法了：这画不错，可没有笔墨。这种怪论很多。一张画如果你画的好，有感受，不管用什么笔墨，这个笔墨都是好的；这张画画得不好，再用什么笔墨，这个笔墨也是不好的。因此我提出“笔墨等于零”的观点。我的文章开头第一句先讲：脱离了具体画面，孤立来谈笔墨的价值，这个价值等于零。我是讲得很清楚的。但是，很多人可能没看这个文章，光是听说吴冠中讲笔墨等于零了，引起了很大轰动。创作是作家要表达自己的一种特殊的情感，非常困难，你怎么表达出来?作品怎样才能产生? 这是“无中生有”啊! 本来没有，你要创造。怎么创造呢? 你把前人用的方法拿来套这个对象的话，永远没有意思，永远是学生的口袋，把他的东西套上来。有 些人认为林风眠是没有笔墨的。倪云林画得很瘦，笔条很细，同吴昌硕的粗完全是
以上为笔者对于中西美术比较与结合的相关认识，相信在对比中，在寻求以往的误区中，中西美术的结合将会更有利于我国美术的发展。
参考文献
［１］孔新苗,张萍.中西美术比较.山东画报出版社
［２］范瑞华.中国画向何处去.国际文化出版社
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